Oliver Tree & Little Big, You're not there: Petite analyse pour le fun.

La chanson « You’re not there » de Little Big et Oliver Tree a surpris plus d’une personne de part sa dimension émouvante. Venant des gros blagueurs, souvent vulgaires, c’était relativement inattendu.

Mais si la simplicité légèrement immature des paroles fonctionne à merveille, la musique est loin de n’être qu’un accompagnement passif et vague.

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La chanson commence sur un riff mélodique de guitare non saturée qui se rapproche d’une guitare sèche. De la réverb est utilisée pour donner une impression d’espace, mais d’espace restreint. Une petite pièce. On sent l’isolement et la solitude.

Un hammer pull-off rapide élève la mélodie. La tristesse dépeinte par les notes accolées (ton, demi-ton) est ressentie comme pure, poétique, esthétique, distinguée. C’est une tristesse normale, une tristesse acceptée comme faisant partie de la vie.

0:05 – 0:17

Le chant commence est aiguë et lointain.

My heart broke. It’s been a while since we spoke.

I lost hope, now I’m feeling like a Joke.

J’ai le coeur brisé, cela fait un bout de temps qu’on ne s’est pas parlé.

J’ai perdu espoir, je me sens ridicule.

L’unique guitare pour tout accompagnement suggère une intimité avec la personne qui chante. Nous sommes les témoins d’un instant d’introspection. Un bilan, un constat.

0:17 – 0:28

La basse électronique fait son entrée furtivement, elle vient ancrer les propos dans la gravité.

La simplicité du constat « You’re not there » le fait résonner comme la contradiction de sentiment ultérieur. La personne a commis une erreur.

Hypothèse générique : Le couple s’est séparé, il y avait des tensions, des désaccords mais plus rien n’a de sens face au constat de l’absence de l’autre. L’absence insupportable l’emporte sur le reste.

Cœur brisé, temps écoulé depuis les derniers mots échangés, désespoir, et regret.

Les éléments développés par le couplet permettent le cri simple « you’re not there. »

Que les problèmes soient réglés ou non, l’absence enlève le sens de tout.

« I’m feeling like joke » intègre le regard extérieur, la place dans la société, le sens existentiel. L’individu réalise que l’amour est la plus profonde raison d’être.

« Qui a dit que la vie était juste ? » peut être interprétée de plusieurs manières. Une colère vis-à-vis de l’existence et donc envers ceux qui prétendraient que les choses se passent toujours de la meilleure façon. Donc une manière de crier « La vie est injuste. »

Mais également, cela pourrait être l’expression d’un regret. La personne a commis une erreur en croyant que les choses s’arrangeaient toujours. Cette erreur lui a coûté très cher et elle se mord les doigts d’avoir été si naïve.

La conclusion tragique tombe : This is more thant I can bear. Je n’en peux plus. Je vais craquer.

0:28 – 0:40

La basse explose et est maintenant accompagnée par des éléments de batterie (électronique).

Nous sortons du subjectif, de l’intime et de l’introspectif.

Le chant devient universel, collectif. La chanteuse se joint d’ailleurs au chanteur.

La peine exprimée est une peine que nous pouvons tous ressentir et le tempo écrasant réaffirme sa gravité.

Les paroles simples et niaises font contraste et deviennent touchantes. Leur absence de sophistication est l’affirmation de droit à l’amour de chacun, du rejet de l’élitisme à ce niveau. Nous avons tous des sentiments et nous y avons tous droits.

Deux samples de pleures comblent la fin de la mesure à la suite de « You’re not there ». Ces deux samples sont positionnés de manière à répondre rythmiquement au constat triste. Ils ne font pas parti d’une ambiance, ils sont au même niveau que les instruments.

0:40 – 0:51

I walk through the darkest alley way. Bury my body in a shallow grave.

I can’t help but to feel out of place. I miss your face.

Version féminine du premier couplet.

Le dernier vers « I miss your face » est également déformé par un effet (Saturation?) et isolé du restant de l’instrumentalisation. La phrase est prononcé comme l’aveu intime d’un sentiment aliénant. La saturation traduit une fragilité et l’absence d’instrumentalisation dépeint la nécessité d’un espace accueillant pour permettre à la personne de prononcer ces mots chuchottés.

0:51 – 1:03

Nouveau refrain. Même signification que le présent.

1:03 – 1:26

Nous arrivons au pont de la chanson, passage unique qui retourne au refrain.

Ici, il s’agit d’une montée en tension jusqu’à libération/explosion.

My life sucks, since I’ve lost you life’s been rough.

My vie est pourrie, depuis que je t’ai perdu la vie a été difficile.

That door shut, like I lost a million bucks.

Cette porte fermée, est comme si j’avais perdu un million.

You’re not there.

Les paroles prennent un sens plus profond et existentiel que la tristesse présente et la détresse affective. C’est le sentiment que la vie du protagoniste n’a plus de sens et que la marque restera pour toujours, pas uniquement jusqu’à ce que les choses remontent la pente.

L’arpège doux réverbéré véhicule un sentiment de suspension de la temporalité, d’apesanteur, l’instant d’une réalisation profonde et grave qui amène une tension et envahit l’individu progressivement dans son entièreté. Les instruments rejoignent l’arpège pour souligner la montée en tension, beat puissant et seconde mélodie. Alors que la répétition de « you’re not there » fait entrer le protagoniste dans une forme de catatonie obsessionnelle.

À 1:23 un sample de batterie jungle rejoint la musique pour préparer l’auditeur au retour au refrain. La particularité de cette batterie et qu’elle marque les demi-croches de la mesure alors que le beat électro était en noires et en blanches => Notes plus longues et lenteur.

Cette accélération soudaine opérée par un instrument qui était absent jusque-là et dont la qualité d’échantillon est différente du son global fait ressortir fortement cet enchaînement comme étant forcé, imposé et artificiel. Avec flanger sur cette batterie jungle qui pousse le son vers les aiguës et donne le sentiment qu’on étouffe l’instrument, qu’il n’a plus d’air et va céder.

1:25 L’enchaînement s’effectue alors que 4 beat graves et entièrement isolés brisent la musique.

Le protagoniste craque.

1:26 – 1:37

Retour à un refrain aliéné.

Le beat grave est maintenant saturé et voit sa tonalité déformée.

Ce qui était grave pour le protagoniste devient nocive et destructeur.

Le premier cri qui répondait à « You’re not there » n’est plus là et son absence rend l’impact de ce dernier refrain plus cru, épuré et désolé.

Une note de violon vient étendre ce sentiment. Le violon est instrument très connoté de part son âge et sa noblesse. La douleur résonne à une échelle historique, éternelle, pendant un court instant. 1:29

Le deuxième sample de pleurs est transformé en une mélodie de guitare électrique. L’individu a été entièrement déshumanisé par sa douleur. D’abord le cri disparaît et il ne reste ensuite plus qu’un écho mécanisé.

1:37 – 1:50

Quatre croches de notes de guitare électrique saturées et étouffées, typique du métal viennent feindre une fin heureuse. Le métal est une affirmation de soi, de force, d’espoir. L’individu trouvera le courage de se relever. Le chanteur se rebiffe et s’écrie avec plus de vergogne « You’re Not... »

Mais cette incursion très brève dans un autre genre est immédiatement dévorée par le retour du beat électro qui achève la déconstruction de l’individu et fait tomber la chanson dans la musique industrielle.

Le « There » éclate et la seule répétition déformée de la voyelle va devenir la substance de la mélodie.

1:50 – Fin.

La voix s’éteint et un dernier instrument réverbéré mime la disparition finale de la question. Il n’y a plus d’espoir. Le protagoniste a été noyé dans sa peine.